Angel Cotray

マンハッタンのローワー イースト サイド出身の生粋のニューヨーカー。
美術と心理学の二重専攻をしながら、2017 年に初めて油絵の基礎を学びました。 2020年、彼女は新型コロナウイルス感染症のパンデミックによりニューヨーク市が閉鎖される直前に、ハンター大学から優秀な成績で学士号を取得。彼女の具象絵画の実践は、日常生活のありふれたシナリオから生じる内なる葛藤を解釈し、表現し、解決するのに役立つ芸術療法の一形態とみなされました。それ以来、コトレイは、スプレー・ペイントから自身の衣服の布切れ、さらには写真を作品に取り入れるなど、多様な素材とプロセスを駆使して制作活動をさらに発展させてきました。現在の彼女の作品は、自己の覚醒の真っ只中にある、物憂げでありながらも活気に満ちた題材です。コトレイにとって、絵画は日記や日記のようなものであり、視覚的なストーリーテリングを通して、今現在の彼女の最も身近な思いを共有しています。

Kylie Wentzel

1993 年生まれ、SA 州ダーバン。
彼女の作品は、自然環境と都市環境の両方からインスピレーションを受け、これらの空間にいる人々、生き物、物、匂い、音、落書きを再解釈したものである。無垢で偶然性を帯びるスタイルは、いろんなものが詰め込まれた福袋の中のような彼女の複数の視点を、表出させています。
コンポジションを構成する模様、線、テキスト、グラフィックは、存在するものと知覚されるものとの境界線にゆるやかに関わりながら、彼女のヴィジョンをダイレクトに記録しています。
南アフリカの東海岸に位置する亜熱帯都市ダーバンに在住。複数の個展、グループ展、アートフェアで国内外で作品を発表しています。

Oriele Steiner

Oriele Steinerの作品は、色と光を主な表現手段として、幅広い絵画技法とプロセスを探求しています。彼女は、色をそのままで使う場合又は、複数の色を重ねたり、色が不協和音を起こしている場合にでも、複数の色が感情を呼び起こす効果に興味を持っています。
彼女の絵画には、相反する感情が意図的に重ねられており、漫画から切り取られた 1 コマのように、気まぐれな瞬間を舞台上に置き、明らかにしたいと願っています。彼女の作品は、切り取られた１コマがより大きな物語の一部として存在することを暗示していますが、この特定の瞬間をどのように捉えるのかを鑑賞者に投げかけています。この構図はシュタイナーの非常に「英国的」なユーモアのセンスに由来しており、コミカルであると同時にダークでもあり、非現実的でありながら完結していて、そしてどこか人間的です。恐怖やタブーが作品から飛び出し、個人的な瞬間のイメージやモチーフが鑑賞者の心の中で姿を変え、オリエールは私たちにこれらの瞬間のプライバシーが、親密なのか？グロいものなのか？を判断するように求めています。おそらく、伝統的な英国のコメディアンなら「違いは何ですか」と皮肉るでしょう。 ？

Holly Halkes

1993 年、ロンドン生まれ。ファッション デザインの学士号を取得し、プリント デザインと大胆な色彩が大好きになりました。その後、彼女はシティ＆ギルド・オブ・ロンドン美術学校で美術を学び、2022年に卒業。それ以来、ハルクスはミラノのTube Culture Hall,、シュトゥットガルトのBetter Go South、そしてマドリードのBadr El Jundiのギャラリーと国際的に展覧会を開催してきました。彼女はロンドン アート フェアでも作品を発表し、Delphianの公募で優勝し、年末にはOdenseのアルバート コンテンポラリーで個展を予定しています。彼女作品は、21世紀を生きるとはどういうことなのかという自身の体験を通して、自由な交流、垣根を取り払うこと、奇抜な行動に翻弄されることをテーマに、カーニバレスク（carnivalesque　注２）に取り組んでいます。彼女は、自由と豊かさを特徴とする別の社会空間を創造し、現実とファンタジーの境界線上にある人間の行動や社会的相互作用を探求することに興味を持っています。作品の多くは、ユーモアと、自己のアイデンティティと私たちを取り巻く環境を問うユーモアとの関係が軸になっています。絵の具の塗り方の勢いにも、楽しい瞬間や笑い誘う、作家の気持ちが表れています。絵画の表面の背後には、自己と周囲の世界に対する内的・外的な葛藤が描かれ、無防備さと不安の両方が投影されている。

Mario Maple

Mario Alberto Pérez López (Maplé) 1992年、メキシコのグアダラハラ生まれ。
彼の作品は、ドローイングの本質、量とイメージの性質、それらの身体的および敏感な負荷、そしてそれらがどのように生きて芽吹くのかについて熟考しています。
彼の作品の特徴は強迫観念である。強迫観念とは、細部への強いこだわりとして理解される。
彼の作品は、ドイツ、スウェーデン、フランス、イギリス、スペイン、アメリカなど、世界中のギャラリーや美術館で展示されています。

Ben Ashton

ベン・アシュトンは破壊の達人です。彼のアートは美しくも挑戦的で、古典的なテクニックと新しいアイデアを融合させた過去と未来の衝突です。一目で彼の作品とわかり、普遍的でありながら、完全に個人的なスタイルを確立している。
アーティストの父と中等学校のクリエイティブ部門を率いていた母の間に 1983 年に生まれた彼は、ニューカッスル大学で美術を学び、2008 年にロンドンのスレイド美術学校で修士号を取得しました。
アシュトンは生涯をオールドマスターの研究に費やしました。自分の技巧の頂点を極めるための努力は惜しまず、毎日毎日、完成されたものを歪め、あるいは粉々にするつもりで描いています。
それが、リージェンシー時代と大英帝国の誕生に焦点をあてた、現在の「To Our Glorious Future」シリーズにつながっていきます。”この時代は、現在、美術館や博物館の壁に並ぶ、自己満足的な肖像画を大量に生み出した”。
アシュトンは、トーマス・ローレンスなどの「威勢のいい肖像画」、つまり「ダンディでバカっぽいタイプ」に触発され、現代の言論の高慢さを鏡のように映し出している。彼の現在の技法もまた、ローレンスから多大な影響を受けており、その肖像画の多くは「未完成」のような表情をしている。「下地が見え、体の輪郭を描く筆跡がいくつか見えるが、顔は完璧に仕上がっている」と彼は説明する。

彼は主にキャンバスやパネル上の油彩で作品を制作していますが、紙も使用します。後者の場合、彼は薄いウォッシュを作成し、それを紙の上に重ねてから、水と石鹸を混ぜてブラシストロークを乱します。この上で、塗装プロセスを開始する前に、ワックスベースの水溶性バーを使用して色調の下絵を作成します。 「私は長年にわたって、自分のプロセスをより迅速かつ直感的に行うよう努め、可能な限り即時性を目指すようにしてきました」と彼は言います。彼の主題は、リージェンシー時代の肖像画の自信に満ちたポーズ、つまり「宇宙の支配人」のような表情を模倣しようとしていますが、その周囲の色合いや模様が作品に混沌の感覚を与えています。
これらの絵画に見られるものはすべて、衣装に至るまでアシュトンの作品であり、多くの場合、回収された素材、ドロップクロス、ビニール袋、ゴミ箱から作られています。 「ゴミみたいな衣装を作るのが本当に楽しいんです」と彼は言う。 「すべてゴミで作られていると知ると、登場人物たちの魅力がさらに高まります。」
アシュトンの目と顔の特徴を伸ばす方法にはマニエリスムのタッチがありますが、「盲人を導く」や「家庭教師の娘」で目撃された細長い首にもマニエリスムのタッチがあります。これは、鼻を細くし、唇をふっくらさせるインスタグラムのフィルターや、有名人が手の届かない美しさの雰囲気を醸成するためにプロが加工したフォトショップ画像など、ソーシャルメディア上で日々起こっている歪みを反映しています。
アシュトンが歴史に「執着している」と非難する人もいるかもしれないが（彼もおそらくそれに同意するだろう）、彼の仕事は未来にも深く根ざしている。彼が指摘するように、歴史は循環する傾向があるため、過去を利用することで、現在の出来事に反応するアートに文脈を提供することができます。
彼の絵画を見た後、鑑賞者は、アシュトンが同じ少数の主題（彼自身と彼の近親者）を使用する傾向があることに気づくかもしれません。これは当初、それが最も経済的なアプローチだったからでしたが、時間が経つにつれて、アシュトンは自分の仕事を個人的な歴史として見るようになりました。 「私は長い間、自分自身や周りの人々を描いてきたから…もし私が亡くなった後に回顧展をやるとしたら、私の人生全体を絵に描いて見ることができるでしょう。」と彼は言います。 「誰かが年を重ねるのを見ることになるだろう。」
油絵の具は信じられないほどの弾力性がある、と彼は付け加えました。 「油絵の具が本当に好きなのはそこなんだ。肖像画には不思議な系譜がある。何世紀もの間、人類の表現手段の一部だったんだ」。これこそが、彼が遺すことになる、素晴らしく奇妙でユニークな遺産なのです。　　ロイシン・オコナー

Kentetsu Takemura

SLAWN

Niall Campbell Strachan & Shoko Ashida