KEEP THE CHANGE – TOKYO

Group Exhibition

Produced by 4BYSIX

Exhibition:November 25 − December 6, 2023
Online Store:November 25 − December 6, 2023
(Closed: Thursday)
1:00PM ~ 7:00PM (Last Day ~5:00PM)

Anicoremix Galleryでは、11月25日から12月6日までロンドンのアートコミニュティプロジェクト投資を行う4BYSIXによるグループ展「KEEP THE CHANGE – TOKYO」を開催します。
本展は、11月前半に行われた「KEEP THE CHANGE – LONDON」に続くシリーズで、国際的に活躍する23人の人気アーティストが、アップサイクル(創造的再利用)されたキャンバスにそれぞれにペイントした作品を展示します。

作品購入は4BYSIXのサイト(4BYSIX.com)でオークション形式の販売となります。
お客様のご希望の金額でビット(入札)していただき、最高金額を示したお客様にお買い上げいただきます。世界中に顧客を持つ4BYSIXのオークションに一度ご参加してみてはいかがでしょうか?

*4BYSIX は現代アーティストと協働し、100%廃材から作られたオーダーメイドのアートワークを制作・販売し、その収益を、社会で最も弱い立場にある人々を支援するコミュニティプロジェクトに投資している非営利団体です。

出展アーティスト:森村智子, Lionel Smit, Jason Pulgarin, Chanoir, Tomotatsu Gima, Magda Kirk, Ha Haengeun, Ana Aleksov, Jeremy Yamamura, Liam Fallon, KC Ortiz, Shoichi Okumura, Shoko Ishida, 古塔つみ, Angel Cotray, Kylie Wentzel, Oriele Steiner, Holly Halkes, Mario Maple, Ben Ashton.

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OPENING November 25

森村智子|Chishi Morimura

1988年東京生まれ。2009年女子美術大学短期大学部卒業。2009年以前から流木が好きで、拾って来て部屋に飾ってあったのですが、2010年に流木を絵の支持体にする事を思い付き、以来、東京の荒川や上流のダムなどで拾った流木の木口に、胡粉(ハマグリの貝殻の粉)と寒冷紗とアクリル絵の具を使って少女の物語の絵を描いています。制作に当たって、各流木の形を観察し、その形からインスピレーションを得てモチーフを決める事で、人と自然の繋がりを表現しています。

Lionel Smit

ライオネル・スミットは 1982 年にプレトリアで生まれ、南アフリカのケープタウンに住んで働いています。彼は、魅惑的なポートレートとアイデンティティの深い探求で知られる、広く知られたアーティストです。 20年以上にわたるキャリアを持つスミットは、国内外で作品を幅広く展示し、世界中の権威あるコレクションや機関で紹介されています。スミットの絵画はロンドンのナショナル・ポートレート・ギャラリーで展示され、2013年にビジターズ・チョイスのBP Portrait Awardを受賞した。美術館での展示には、MOCAマイアミ(マイアミ現代美術館)やフィンランド・ヘルシンキでのディドリクセン美術館での個展が含まれる。

Jason Pulgarin

1990年1月、ブルックリンのウィリアムズバーグに、思慮深く社会意識の高いストリート・アーティスト、ジェイソン・パルガリンが生まれた。彼は幼い頃からアートやその他の創造的なプロジェクトに惹かれていた。ニューヨークで過ごした10代を通して、彼はあらゆる形のストリート・アートを追求し始めた。

Chanoir

CHANOIRとして知られるAlberto Vejaranoは、1976年ボゴタ生まれのフランコ・コロンビア人アーティストです。アートとアーティストはポジティブな変化をもたらすエージェントとしての役割を担っています。ポップアートとフリー・フィギュレーションの融合から生まれたシャノワールの作品は、美術史の知識に基づいており、大衆的なユーモア、子供時代の思い出、愛の感覚が表れています。シャノワールは、Steinlen(注1)のポスター「le cabaret du chat noir」を引用してその名前を選びました。自然発生的に描かれた「CHA」の猫ロゴは、常に形を変えます。
彼の父親、グスタボ・ベハラノはコロンビア人の自分の信念を神秘的に表現した秘義的なアーティストです。
CHANOIRのアートはすべての人のために開かれ、見る人を楽しませることを目指しています。

Tomotatsu Gima & Kentetsu Takemura

私の故郷は日本の沖縄です。私は沖縄とアメリカの文化の中で育ちました。私の作品コンセプトは「流通」と「消費」です。作品は、廃段ボールから作られおり、主にアメリカと沖縄の文化をモチーフとしています。個展やグループ展で作品を発表するほか、GUCCIやAdidasなどの企業、BAPEやアーティストとのコラボレーションも行っています。また、「 COLOR POP 」プロジェクトでは福祉作業所の人々とのアート協働をしています。今回は私とケンテツがロンドンバスのパネルを再利用して新作を作りました。

Magda Kirk

MAGDALENA KIRKLEWSKA、ポーランド1990 年生まれ。
ポーランドのグダニスクにある美術アカデミー/絵画科を卒業 (2015)。彼女は作品の中で、文化的および社会的文脈における身体のテーマに焦点を当てています。彼女は、夢のようなぼやけたオーラの中で、匿名で不完全な身体のイメージを作成します。モデル、ボディビルダー、スーパーヒーローなどの架空の人物からインスピレーションを得て、女性と男性の身体イメージの文化的様式を用い、それらが現代の一般の人々のアイデンティティ、自己認識、自己表現に及ぼす影響を探求しています。ユーモアとホラー、美しさと醜さ、あるいはかわいらしさと攻撃性を組み合わせて、彼女は主体と客体としての身体との親密な関係に伴う曖昧な感情を表現しています。彼女は、タトゥー文化、ゴミの落書き、漫画、そして広く定義されたポップカルチャーの人気のモチーフやシンボルを表現手段として使用し、しばしばそれらを身体の肉体を形成する不定のノイズに混ぜ合わせます。絵画制作のプロセスは、瞑想的に色とエアブラシの色を何層にも重ね、その結果、明るく非現実的なリアリズムの印象が生まれます。

Ha Haengeun

画家、ソウル在住。

ALEKSOV ANA

Aleksov Ana (1992 年) は、セルビアの現代アーティスト兼デザイナーです。彼女はベオグラード芸術大学応用芸術学部でグラフィックデザインを学びました。彼女はアートを通じて、普通の環境に夢のような雰囲気を作り出し日常に感情を呼び起こすことを目指しています。彼女の絵画は、現代社会の人々の憂鬱、孤独、もろさを表現しています。アレクソヴァナの作品は、マルセイユ、ソウル、ベイルートで個展を開催し、国際的に注目を集めています。

Jeremy Yamamura

ジェレミー・ヤマムラ(1981年生まれ)は、20年以上前にボルドーのストリートでアート活動を開始しました。地元の著名なグラフィティ・クルーに所属するようになり、ポジティブさを広め、社会的なコメントを提供することを目的としたユニークなキャラクター「DOGZZZ」を制作した。
2004年、ジェレミーはロンドンに移住し、初めてのアート展を開催。その後、2006年に来日し、ディレクターやモーショングラフィックデザイナーとして活躍した後、本格的にアートに取り組む。
ヨーロッパ、アメリカ、アジアのギャラリーで作品を発表している。また、コンバースや無印良品などの有名ブランドとのコラボレーションも行っています。また、地元東京のコミュニティにも定期的に参加し、クリエイティブな活動を支援するために壁画を制作しています。
DOGZZZは、彼の生涯のプロパガンダである!

Liam Fallon

1995 年生まれ、Stoke On Trent, England出身。ロンドン在住。彼は 2017 年にマンチェスター美術学校を卒業し、グラスゴー、ニューヨーク、ロサンゼルス、ロンドン、ベルリンで展覧会を開催するなど、国内外で活動を続けています。 2018年に彼はWoon財団賞の彫刻部門で権威あるLim Ai Fang Awardを受賞し、2018年と2020年の両方でマーク・タナー彫刻賞の最終候補者に選ばれました。 2020年にはヘンリー・ムーア財団アーティスト賞を受賞しました。 2021年にはベルリンのKönigギャラリー、ストックホルムのCarl Kostyálギャラリー、ロサンゼルスのRichard Hellerギャラリーで展示を行いました。 2022年にロンドンのCastorギャラリーとロサンゼルスのRichard Hellerで個展を開き、2023年にはValenciaを拠点とするギャラリーと火曜日から金曜日まで開催されるアート・フェアとニューヨークのArsenal Contemporary,に出展。

KC Ortiz

1978年、アメリカ、シカゴ生まれ。デンマークのコペンハーゲン在住。
オルティスは 12 歳で故郷シカゴの屋上や電車に落書きを描き始め、落書き、街路生活、刑務所、フォトジャーナリズムなどの経験から、ペインティングへの道に遠回りながら辿り着きました。
オルティスの作品は、政治的混乱、経済的不平等、誤った情報、テクノロジーの進歩の下で急速に変化する世界における生存、保存、抵抗についての探求です。
オルティスは、この時代、そして将来の世代や文明に対する私たちの個人的および集団的な役割と責任を観察し、問いかけます。

Shoko Ishida

別名YODAKAは、ミシガン州を拠点とする日本のイラストレーター兼アーティスト。カレッジ・フォー・クリエイティブ・スタディーズでイラストレーションの学士号を取得。彼女の作品は、とても繊細なポートレートに、際立つ形と余白を使い、非日常の感覚を生み出すのが特徴です。音楽、ファッション、自然、ノスタルジー、そして白昼夢にインスピレーションを得て、物語やギャラリー向けにミックスメディア作品を制作しています。

古塔 つみ|Cotoh Tsumi

2017年より活動。イラストレーターから現代美術家に転身。日本生まれ。年齢は非公表。性別は男性です。コトーは、そもそもイラスト(特にデジタル作品)と現代アート作品との間に境界はないという認識のもと、大量消費されるイラストレーションとその印刷技術を独自の解釈で現代アート作品に仕上げることに成功しました。 Cotohの作品にはシルクスクリーン、ジークレー版画、浮世絵木版画、ハンドペイントなどがあり、どれもユニークです(浮世絵木版画を除く)。コトーは、作品制作を大量消費を前提とした手法に意図的に限定することで、作品が商品として評価されてきた日本の状況に新風を吹き込むことを目指しています。 Cotohの作品は、デザインや出力方法にスタイルにこだわりがなく、常にアップデートされ続けています。現代の都会的な女性キャラクターを描くアーティストとは一線を画したアプローチに挑戦し続ける現代アーティスト。

Angel Cotray

マンハッタンのローワー イースト サイド出身の生粋のニューヨーカー。
美術と心理学の二重専攻をしながら、2017 年に初めて油絵の基礎を学びました。 2020年、彼女は新型コロナウイルス感染症のパンデミックによりニューヨーク市が閉鎖される直前に、ハンター大学から優秀な成績で学士号を取得。彼女の具象絵画の実践は、日常生活のありふれたシナリオから生じる内なる葛藤を解釈し、表現し、解決するのに役立つ芸術療法の一形態とみなされました。それ以来、コトレイは、スプレー・ペイントから自身の衣服の布切れ、さらには写真を作品に取り入れるなど、多様な素材とプロセスを駆使して制作活動をさらに発展させてきました。現在の彼女の作品は、自己の覚醒の真っ只中にある、物憂げでありながらも活気に満ちた題材です。コトレイにとって、絵画は日記や日記のようなものであり、視覚的なストーリーテリングを通して、今現在の彼女の最も身近な思いを共有しています。

Kylie Wentzel

1993 年生まれ、SA 州ダーバン。
彼女の作品は、自然環境と都市環境の両方からインスピレーションを受け、これらの空間にいる人々、生き物、物、匂い、音、落書きを再解釈したものである。無垢で偶然性を帯びるスタイルは、いろんなものが詰め込まれた福袋の中のような彼女の複数の視点を、表出させています。
コンポジションを構成する模様、線、テキスト、グラフィックは、存在するものと知覚されるものとの境界線にゆるやかに関わりながら、彼女のヴィジョンをダイレクトに記録しています。
南アフリカの東海岸に位置する亜熱帯都市ダーバンに在住。複数の個展、グループ展、アートフェアで国内外で作品を発表しています。

Oriele Steiner

Oriele Steinerの作品は、色と光を主な表現手段として、幅広い絵画技法とプロセスを探求しています。彼女は、色をそのままで使う場合又は、複数の色を重ねたり、色が不協和音を起こしている場合にでも、複数の色が感情を呼び起こす効果に興味を持っています。
彼女の絵画には、相反する感情が意図的に重ねられており、漫画から切り取られた 1 コマのように、気まぐれな瞬間を舞台上に置き、明らかにしたいと願っています。彼女の作品は、切り取られた1コマがより大きな物語の一部として存在することを暗示していますが、この特定の瞬間をどのように捉えるのかを鑑賞者に投げかけています。この構図はシュタイナーの非常に「英国的」なユーモアのセンスに由来しており、コミカルであると同時にダークでもあり、非現実的でありながら完結していて、そしてどこか人間的です。恐怖やタブーが作品から飛び出し、個人的な瞬間のイメージやモチーフが鑑賞者の心の中で姿を変え、オリエールは私たちにこれらの瞬間のプライバシーが、親密なのか?グロいものなのか?を判断するように求めています。おそらく、伝統的な英国のコメディアンなら「違いは何ですか」と皮肉るでしょう。 ?

Holly Halkes

1993 年、ロンドン生まれ。ファッション デザインの学士号を取得し、プリント デザインと大胆な色彩が大好きになりました。その後、彼女はシティ&ギルド・オブ・ロンドン美術学校で美術を学び、2022年に卒業。それ以来、ハルクスはミラノのTube Culture Hall,、シュトゥットガルトのBetter Go South、そしてマドリードのBadr El Jundiのギャラリーと国際的に展覧会を開催してきました。彼女はロンドン アート フェアでも作品を発表し、Delphianの公募で優勝し、年末にはOdenseのアルバート コンテンポラリーで個展を予定しています。彼女作品は、21世紀を生きるとはどういうことなのかという自身の体験を通して、自由な交流、垣根を取り払うこと、奇抜な行動に翻弄されることをテーマに、カーニバレスク(carnivalesque 注2)に取り組んでいます。彼女は、自由と豊かさを特徴とする別の社会空間を創造し、現実とファンタジーの境界線上にある人間の行動や社会的相互作用を探求することに興味を持っています。作品の多くは、ユーモアと、自己のアイデンティティと私たちを取り巻く環境を問うユーモアとの関係が軸になっています。絵の具の塗り方の勢いにも、楽しい瞬間や笑い誘う、作家の気持ちが表れています。絵画の表面の背後には、自己と周囲の世界に対する内的・外的な葛藤が描かれ、無防備さと不安の両方が投影されている。

Mario Maple

Mario Alberto Pérez López (Maplé) 1992年、メキシコのグアダラハラ生まれ。
彼の作品は、ドローイングの本質、量とイメージの性質、それらの身体的および敏感な負荷、そしてそれらがどのように生きて芽吹くのかについて熟考しています。
彼の作品の特徴は強迫観念である。強迫観念とは、細部への強いこだわりとして理解される。
彼の作品は、ドイツ、スウェーデン、フランス、イギリス、スペイン、アメリカなど、世界中のギャラリーや美術館で展示されています。

Ben Ashton

ベン・アシュトンは破壊の達人です。彼のアートは美しくも挑戦的で、古典的なテクニックと新しいアイデアを融合させた過去と未来の衝突です。一目で彼の作品とわかり、普遍的でありながら、完全に個人的なスタイルを確立している。
アーティストの父と中等学校のクリエイティブ部門を率いていた母の間に 1983 年に生まれた彼は、ニューカッスル大学で美術を学び、2008 年にロンドンのスレイド美術学校で修士号を取得しました。
アシュトンは生涯をオールドマスターの研究に費やしました。自分の技巧の頂点を極めるための努力は惜しまず、毎日毎日、完成されたものを歪め、あるいは粉々にするつもりで描いています。
それが、リージェンシー時代と大英帝国の誕生に焦点をあてた、現在の「To Our Glorious Future」シリーズにつながっていきます。”この時代は、現在、美術館や博物館の壁に並ぶ、自己満足的な肖像画を大量に生み出した”。
アシュトンは、トーマス・ローレンスなどの「威勢のいい肖像画」、つまり「ダンディでバカっぽいタイプ」に触発され、現代の言論の高慢さを鏡のように映し出している。彼の現在の技法もまた、ローレンスから多大な影響を受けており、その肖像画の多くは「未完成」のような表情をしている。「下地が見え、体の輪郭を描く筆跡がいくつか見えるが、顔は完璧に仕上がっている」と彼は説明する。

彼は主にキャンバスやパネル上の油彩で作品を制作していますが、紙も使用します。後者の場合、彼は薄いウォッシュを作成し、それを紙の上に重ねてから、水と石鹸を混ぜてブラシストロークを乱します。この上で、塗装プロセスを開始する前に、ワックスベースの水溶性バーを使用して色調の下絵を作成します。 「私は長年にわたって、自分のプロセスをより迅速かつ直感的に行うよう努め、可能な限り即時性を目指すようにしてきました」と彼は言います。彼の主題は、リージェンシー時代の肖像画の自信に満ちたポーズ、つまり「宇宙の支配人」のような表情を模倣しようとしていますが、その周囲の色合いや模様が作品に混沌の感覚を与えています。
これらの絵画に見られるものはすべて、衣装に至るまでアシュトンの作品であり、多くの場合、回収された素材、ドロップクロス、ビニール袋、ゴミ箱から作られています。 「ゴミみたいな衣装を作るのが本当に楽しいんです」と彼は言う。 「すべてゴミで作られていると知ると、登場人物たちの魅力がさらに高まります。」
アシュトンの目と顔の特徴を伸ばす方法にはマニエリスムのタッチがありますが、「盲人を導く」や「家庭教師の娘」で目撃された細長い首にもマニエリスムのタッチがあります。これは、鼻を細くし、唇をふっくらさせるインスタグラムのフィルターや、有名人が手の届かない美しさの雰囲気を醸成するためにプロが加工したフォトショップ画像など、ソーシャルメディア上で日々起こっている歪みを反映しています。
アシュトンが歴史に「執着している」と非難する人もいるかもしれないが(彼もおそらくそれに同意するだろう)、彼の仕事は未来にも深く根ざしている。彼が指摘するように、歴史は循環する傾向があるため、過去を利用することで、現在の出来事に反応するアートに文脈を提供することができます。
彼の絵画を見た後、鑑賞者は、アシュトンが同じ少数の主題(彼自身と彼の近親者)を使用する傾向があることに気づくかもしれません。これは当初、それが最も経済的なアプローチだったからでしたが、時間が経つにつれて、アシュトンは自分の仕事を個人的な歴史として見るようになりました。 「私は長い間、自分自身や周りの人々を描いてきたから…もし私が亡くなった後に回顧展をやるとしたら、私の人生全体を絵に描いて見ることができるでしょう。」と彼は言います。 「誰かが年を重ねるのを見ることになるだろう。」
油絵の具は信じられないほどの弾力性がある、と彼は付け加えました。 「油絵の具が本当に好きなのはそこなんだ。肖像画には不思議な系譜がある。何世紀もの間、人類の表現手段の一部だったんだ」。これこそが、彼が遺すことになる、素晴らしく奇妙でユニークな遺産なのです。  ロイシン・オコナー

Kentetsu Takemura

SLAWN

Niall Campbell Strachan & Shoko Ashida

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※作品・グッズ受注生産の為、お届けまで3−5週間ほどかかります。あらかじめご了承願います。

 

購入・先着順にて

※11/25 から販売受付開始

※EC販売期間は 11/25 ー12/6/2023

 

会場

Anicoremix Gallery

東京都渋谷区神宮前4-28-18 カトル・バン原宿B1

info@anicoremixgallery.com

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